Del Barroco al Clasicismo:
El rococó y el estilo galante
Desde el contraste y la ornamentación propias de la música barroca hasta la sencillez de líneas de la música clásica existen pasos intermedios:
Novedades
La música instrumental gana la partida
A lo largo de la historia de la música hemos visto que la música vocal tiene una mayor consideración y producción que la música instrumental. En el Clasicismo, no teniendo en cuenta la ópera, la música instrumental es la protagonista de la producción musical y supera a la música vocal.
La gran estrella: el piano
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El fabricante de claves italiano, Bartolomeo Cristofori de Francesco de Padua, es la persona a ser acreditado con la invención del piano tal y como la conocemos en nuestros días (1710). Lo que realmente hizo Cristofori fue una mejora en el mecanismo del clavicordio. Reemplazó las púas del clavecín con martillos y amortiguadores asimismo añadido. Llamó a este instrumento “gravicembalo col de piano y también forte” lo que significa una “clavecín con suave y fuerte.” De esta forma, con el piano un músico podría tocar suave o bien realmente fuerte, veloz o bien gradual, y asimismo expresar emociones. |
Un nuevo invitado en la sección de viento: El clarinete
La Escuela de Mannheim
En 1742 Carl hereda la gobernanza de una zona alemana cuya capital es Mannheim, contrata a un gran visionario de la música, Stamitz. Esta unión supone una revolución en la interpretación orquestal. La orquesta de Mannheim servirá como guía para el estilo interpretativo en toda Europa. Sus características son:
- Invierte papeles: el viento hace armonía, la cuerda melodía.
- La dinámica: " Su forte es un trueno, su crescendo una catarata, su diminuendo una corriente, su piano, un soplo primaveral"
- Todos los integrantes de la orquesta son excelentes intérpretes y compositores.
La reforma de la ópera de Gluck
“Es necesario despojar a la opera de todos los abusos que la hacen enojosa y deplorable abusos debidos sobre todo a la vanidad de los cantantes y a la actitud servil de los compositores ; la música , en la ópera , debe secundar a la poesía en la expresión de los sentimientos y de las situaciones; deben desparecer todos los ornamentos que interrumpen la acción; la obertura debe preparar a los espectadores y resumir por así decirlo , el argumento; el conjunto instrumental debe regularse con arreglo a la pasión nacida de las situaciones ; el transito del recitativo al aria no puede suponer una interrupción en la marcha dramática. Mis esfuerzos deben reducirse a conseguir una bella simplicidad. La simplicidad, la verdad y la naturalidad son los grandes principios de lo bello en todas las producciones del arte.”
Sturm und Drang
El Sturm und Drang (en español 'tormenta e ímpetu') fue un movimiento literario, que también tuvo sus manifestaciones en la música y las artes visuales, desarrollado en Alemania durante la segunda mitad del siglo XVIII.
En él se les concedió a los artistas la libertad de expresión, a la subjetividad individual y, en particular, a los extremos de la emoción en contraposición a las limitaciones impuestas por el racionalismo de la Ilustración y los movimientos asociados a la estética. Así pues, se opuso a la Ilustración alemana o Aufklärung y se constituyó en precursor del Romanticismo. El nombre de este movimiento proviene de la pieza teatral homónima, escrita por Friedrich Maximilian Klinger en 1776.
Sus proposiciones artísticas son asustar, aturdir, dominar con emoción, énfasis extremo en lo irracional y aproximación subjetiva a todo el arte. Se consideran representantes musicales del Sturm und Drang a Carl Philipp Emanuel Bach y a Joseph Haydn en cierto periodo, entre otros.
En él se les concedió a los artistas la libertad de expresión, a la subjetividad individual y, en particular, a los extremos de la emoción en contraposición a las limitaciones impuestas por el racionalismo de la Ilustración y los movimientos asociados a la estética. Así pues, se opuso a la Ilustración alemana o Aufklärung y se constituyó en precursor del Romanticismo. El nombre de este movimiento proviene de la pieza teatral homónima, escrita por Friedrich Maximilian Klinger en 1776.
Sus proposiciones artísticas son asustar, aturdir, dominar con emoción, énfasis extremo en lo irracional y aproximación subjetiva a todo el arte. Se consideran representantes musicales del Sturm und Drang a Carl Philipp Emanuel Bach y a Joseph Haydn en cierto periodo, entre otros.
Características generales
- Uso de la textura de melodía acompañada, consistente en el predominio de la voz más aguda, que centra el interés en su melodía, mientras el resto de instrumentos la acompañan; sólo en ocasiones se usa la homofonía o la polifonía imitativa. El acompañamiento es ya escrito explícitamente (desuso del bajo continuo).
- Se reforma la ópera (Gluck).
- Las salas de concierto se popularizan y son un acto social.
- Melodías de un mayor carácter cantabile y simétricas, con frases estructuradas en antecedente y consecuente (o pregunta y respuesta), que típicamente se cierran en las armonías de dominante y tónica, respectivamente.
- Armonías muy claras y funcionales, basadas en los acordes de tónica, dominante y subdominante, que estructuran las frases y la forma musical con cadencias muy claras. El ritmo armónico (velocidad a la que cambian los acordes) suele ser más lento que en el Barroco: es típico el acompañamiento arpegiado llamado bajo de Alberti en el piano, o el trémolo en el acompañamiento orquestal.
- Se escribe mucha más música en modo mayor (más alegre) que en modo menor. Se amplía el campo de las modulaciones y se usan tonalidades cada vez con más alteraciones.
- Compás muy claro y regido también por la armonía.
- Se amplía la orquesta y su rango dinámico. Cada vez se escribe en detalle una mayor variedad de dinámicas y articulaciones, dejando menos espacio a la interpretación del ejecutante.
- Se usan formas estandarizadas (en particular la llamada forma sonata) pero con gran interés y variedad en la estructura interna de la música. Es en este periodo cuando se definen claramente las formas y estructuras en las que se basa la música culta occidental casi hasta nuestros días: la sonata, la sinfonía y el concierto clásico.
La orquesta clásica
Durante el Clasicismo la orquesta vivió su mayor evolución y desarrollo. Stamitz estableció la primera orquesta clásica como tal: la orquesta de Mannheim.
Progresivamente, se va imponiendo la figura del director, presente al frente de la orquesta. Algunos directores, sin embargo, continúan dirigiendo desde el clave en ocasiones. En Milán, hacia 1770, existía la costumbre de que las tres primeras representaciones de una ópera las dirigiera el compositor desde el clavicémbalo, mientras que del resto se hacía el cargo el primer violín. Mozart dirigió varias de sus óperas desde el clave, al igual que hizo Haydn con sus sinfonías.
- Fue la primera orquesta que utilizó los matices piano, crescendo, forte…
- Las cuerdas, además, exploran efectos como el pizzicato y las dobles cuerdas.
- Instrumentos que hasta entonces eran opcionales, como las flautas, trompetas o timbales, se convierten en indispensables.
- En los vientos se introduce la configuración “a dos”, a la vez que asumen papeles más importantes, convirtiéndose en autónomos melódica y armónicamente.
- Las trompas no se limitan a intervenir en el primer y el último movimiento de las sinfonías, como era habitual hasta entonces, sino que participan en toda la obra, salvo en el trío del minueto.
- En la segunda mitad del siglo XVIII se realiza una espectacular innovación: la inclusión de un nuevo instrumento, el clarinete.
- El piano aparece a menudo como solista con la orquesta.
- Beethoven incluye en su Sinfonía nº 5 un instrumento utilizado hasta entonces únicamente en música religiosa y ópera: el trombón.
- Progresivamente va desapareciendo el clavecín de la orquesta, debido a que la línea del bajo se independiza de la del contrabajo, los violonchelos y el fagot. En su lugar, el primer violín asume la dirección del conjunto.
Progresivamente, se va imponiendo la figura del director, presente al frente de la orquesta. Algunos directores, sin embargo, continúan dirigiendo desde el clave en ocasiones. En Milán, hacia 1770, existía la costumbre de que las tres primeras representaciones de una ópera las dirigiera el compositor desde el clavicémbalo, mientras que del resto se hacía el cargo el primer violín. Mozart dirigió varias de sus óperas desde el clave, al igual que hizo Haydn con sus sinfonías.
Formas musicales
El cuarteto de cuerda
Conjunto formado por dos violines, una viola y un chelo.
Es una de las formas instrumentales mas importantes del Clasicismo, autores como Haydn o Mozart realizan multitud de composiciones utilizando esta forma musical. Es una de las formas mas populares de la música de cámara. Estructura:
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La sinfonía
Es una forma musical compuesta para la orquesta en su conjunto. La adquisición de nuevos instrumentos durante el S. XVIII provoca que surja esta forma musical. Haydn compone mas de cien sinfonías a lo largo del clasicismo. Mozart compone muchas también y Beethoven es el responsable de llevar esta forma musical hasta los límites del estilo clásico.
En la sinfonía toda la orquesta participa por igual, es decir no hay un instrumento solista. Toda la orquesta dialoga, existe una mezcla de sonoridades, colores, solos, dúos, tuttis, etc. Esta versatilidad provoca que la sinfonía sea una de las formas mas apreciadas por los compositores.
La forma de la sinfonía se establece durante el Clasicismo pero se verá alterada en épocas posteriores. Consta de cuatro movimientos:
En la sinfonía toda la orquesta participa por igual, es decir no hay un instrumento solista. Toda la orquesta dialoga, existe una mezcla de sonoridades, colores, solos, dúos, tuttis, etc. Esta versatilidad provoca que la sinfonía sea una de las formas mas apreciadas por los compositores.
La forma de la sinfonía se establece durante el Clasicismo pero se verá alterada en épocas posteriores. Consta de cuatro movimientos:
- 1º movimiento: allegro con forma sonata
- 2º movimiento: adagio, puede ser tema y variaciones
- 3º movimiento: minuetto o scherzo - trio (forma ternaria)
- 4º movimiento: allegro o presto puede tener diversas formas como sonata o rondó.
Conciertos para piano (La Cadencia)
El concierto evoluciona considerablemente desde la época barroca. Desaparece el concerto grosso y se establece el concierto para solista y orquesta.
Consta de tres movimientos (allegro- lento- allegro). El concierto clásico es en realidad una sinfonía compartida entre el solista y la orquesta. Se establece un diálogo entre ellos y se muestran todas las opciones que el instrumento solista puede proporcionar.
Es importante recordar que es en esta época cuando empiezan a aparecer los primeros solistas (estrellas del pop de la época), lo cual provoca un auge de la composición de conciertos para que sean interpretados por estos solistas.
Por primera vez el compositor cede el mando. En el concierto clásico existe una parte, denominada cadencia, que suele aparecer al final del tercer movimiento en la cual el compositor deja unos compases en blanco y la orquesta no toca. Es en este momento en el cual el solista tiene libertad absoluta para tocar algo de su invención. Normalmente recopila temas musicales que han aparecido a lo largo de la pieza y los cambia (variaciones) o reinterpreta. Este momento es aprovechado por el solista para lucirse.
Se componen conciertos para practicament todos los instrumentos solistas, pero merecen un lugar especial los dedicados al piano y al violín.
Consta de tres movimientos (allegro- lento- allegro). El concierto clásico es en realidad una sinfonía compartida entre el solista y la orquesta. Se establece un diálogo entre ellos y se muestran todas las opciones que el instrumento solista puede proporcionar.
Es importante recordar que es en esta época cuando empiezan a aparecer los primeros solistas (estrellas del pop de la época), lo cual provoca un auge de la composición de conciertos para que sean interpretados por estos solistas.
Por primera vez el compositor cede el mando. En el concierto clásico existe una parte, denominada cadencia, que suele aparecer al final del tercer movimiento en la cual el compositor deja unos compases en blanco y la orquesta no toca. Es en este momento en el cual el solista tiene libertad absoluta para tocar algo de su invención. Normalmente recopila temas musicales que han aparecido a lo largo de la pieza y los cambia (variaciones) o reinterpreta. Este momento es aprovechado por el solista para lucirse.
Se componen conciertos para practicament todos los instrumentos solistas, pero merecen un lugar especial los dedicados al piano y al violín.
La revolución de la ópera: Mozart y el concierto público.
Hasta esta época los músicos aún dependen de sus benefactores. Todo músico o compositor necesitaba un mecenas que lo sustentase. Esta situación provoca que la libertad compositiva no sea total. Algunos compositores se adaptan perfectamente a la situación, como es el caso de Haydn.
Otros en cambio empiezan a plantearse su condición de artistas. Se dice que Mozart se sentía terriblemente humillado por ser considerado parte del servicio y verse obligado a sentarse en la mesa de los mayordomos. Esta situación provoca que sea uno de los primeros compositores en liberarse de sus benefactores. Decide hacerse independiente. Su plan inicial es dedicarse a dar clases particulares a todos aquellos que lo deseen (Mozart era terriblemente famoso en Viena y por tanto no le faltaron alumnos) y buscar un lugar en el que poder estrenar sus obras. Estos estrenos serán abiertos a todo aquel que quiera comprar una entrada. Esta nueva situación provee de una libertad compositiva totalmente nueva y marcará el camino del siglo posterior.
Es especialmente destacable el éxito que consigue Mozart en estos conciertos públicos con sus óperas (Las bodas de fígaro, Cossi fan tutte, La flauta mágica, etc...) Estas composiciones llegan a convertirse en las favoritas del pueblo. Esta situación ayuda a que la música culta salga de los lugares considerados de clase alta y sea "adsequible" al público en general. Habrá que esperar al siglo XIX y a la bollante burguesía para que esta apertura encuentre su público perfecto.
Esta liberación iniciada por Mozart será imparable y a partir de finales del siglo XVIII los compositores se establecerán como artistas, tendrán ese reconocimiento social y no serán parte del servicio ni dependientes de sus benefactores.
Otros en cambio empiezan a plantearse su condición de artistas. Se dice que Mozart se sentía terriblemente humillado por ser considerado parte del servicio y verse obligado a sentarse en la mesa de los mayordomos. Esta situación provoca que sea uno de los primeros compositores en liberarse de sus benefactores. Decide hacerse independiente. Su plan inicial es dedicarse a dar clases particulares a todos aquellos que lo deseen (Mozart era terriblemente famoso en Viena y por tanto no le faltaron alumnos) y buscar un lugar en el que poder estrenar sus obras. Estos estrenos serán abiertos a todo aquel que quiera comprar una entrada. Esta nueva situación provee de una libertad compositiva totalmente nueva y marcará el camino del siglo posterior.
Es especialmente destacable el éxito que consigue Mozart en estos conciertos públicos con sus óperas (Las bodas de fígaro, Cossi fan tutte, La flauta mágica, etc...) Estas composiciones llegan a convertirse en las favoritas del pueblo. Esta situación ayuda a que la música culta salga de los lugares considerados de clase alta y sea "adsequible" al público en general. Habrá que esperar al siglo XIX y a la bollante burguesía para que esta apertura encuentre su público perfecto.
Esta liberación iniciada por Mozart será imparable y a partir de finales del siglo XVIII los compositores se establecerán como artistas, tendrán ese reconocimiento social y no serán parte del servicio ni dependientes de sus benefactores.
La sonata clásica
La sonata alcanza un gran éxito en el clasicismo. Normalmente se compone para dos o tres instrumentos, siendo uno de ellos el piano.
Consta de cuatro movimientos:
• 1.er Movimiento allegro – forma sonata.
• 2.º Movimiento lento – forma de aria. (ABA)
• 3.º Movimiento moderato – minueto. (ABA)
• 4.º Movimiento allegro – rondó.(ABACAD)
Consta de cuatro movimientos:
• 1.er Movimiento allegro – forma sonata.
• 2.º Movimiento lento – forma de aria. (ABA)
• 3.º Movimiento moderato – minueto. (ABA)
• 4.º Movimiento allegro – rondó.(ABACAD)