Características generales:
- Cada país europeo adquiere una identidad musical propia (Francia, Italia, Alemania e Inglaterra).
- Se introduce el sistema tonal, que culmina con la obra "El clave bien temperado de J.S.Bach.
- Para fomentar la expresión de emociones y el dramatismo se recurre a los contrastes. Estos se pueden manifestar en fuerte/flojo, lento/rápido, solo/tutti, grave/agudo, etc.
- Crece el uso de la monodía. Una voz con un acompañamiento lento (ya existía en el Renacimiento)
- El mecenazgo musical proviene de las cortes y la Iglesia.
- Aparece la técnica del bajo continuo: una linea melódica sirve como cimiento a toda la composición.
- El ritmo se equilibra respecto a la melodía.
- Aparece la ópera.
Algunas novedades:
El Contrapunto se pone de moda
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La policoralidadLa policoralidad se configura como un género fundamental para la práctica musical en los templos religiosos del siglo XVII.
El tratamiento de la polifonía en la centuria anterior, desarrollada a través de la agrupación generalmente de dos coros y cuya evolución en el último tercio de siglo logra un aumento de las voces, se confirma como el tratamiento compositivo que siembra las bases de la policoralidad y cuya práctica y producción adquiere mayor desarrollo a partir del siglo XVII. Es en este momento cuando se escribe la polifonía a varios coros. Un primer coro destaca sobre otros que conforman el grueso de la capilla, característica propia del barroco. La tonalidadEl uso de diversos modos musicales que hemos visto durante el Renacimiento queda relegado a dos. El modo mayor y el modo menor.
Se establecen las tonalidades y las relaciones entre estas. La obra clave que marca este cambio es "El clave bien temperado" de J. S. Bach. |
Armonía vs Polifonía:
La polifonía (método compositivo del Renacimiento) queda desfasada ya que no permite una gran expresividad. En su lugar se utiliza la armonía (sistema tonal) que permite crear momentos de dramatismo y reposo mediante el uso de cadencias. Se incorpora además un ritmo mucho mas estable que permite mayor expresividad.
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Los templos y las mujeres: el auge de los castratiSeguro que más de una vez has oído hablar de los famosos “castrati” (en singular, castrato).
Y, aunque quizás tengas alguna noción de quiénes eran, lo más probable es que desconozcas muchas cosas acerca de estos personajes tan singulares, muy apreciados por el público de la música barroca. En la actualidad, los contratenores consiguen una voz muy aguda gracias a ejercitar sólo una parte de las cuerdas vocales. Un castrato es un hombre que canta con registro de mujer. Pero no lo hace de forma natural, como ocurre con los contratenores actuales. Para conseguirlo, ha tenido que pasar por una intervención quirúrgica, bastante monstruosa, la verdad. Esta operación, llamada orquidectomía, suponía la amputación de los testículos, con el fin de que no pudiesen producir hormonas sexuales masculinas, responsables, entre otras cosas, de la muda vocal que se opera en la adolescencia. Aunque, en sentido estricto, no era una castración de todo el aparato genital. ¿Cuál era el resultado musical de tan cuestionable intervención? Pues una voz espectacular que mezclaba el colorido tímbrico masculino y femenino. Era una voz con una potencia propia de un hombre, pero que a la vez tenía una gran ligereza y capacidad para hacer agudos portentosos, como una mujer. Esta voz híbrida era designada como celestial o angelical por el público de la época. Estos especímenes fueron muy populares en el Barroco, especialmente en Italia, desde donde se exportaban al resto de Europa. Excepto a Francia, que, en plena época del Racionalismo, despreciaba tan aberrante práctica. |
El bajo cifrado
El bajo cifrado es un sistema de cifrado musical, originado en el Barroco, a partir de un género y estilo musical determinado: el bajo continuo.
Consiste en un sistema de representación mixto en que bajo una línea convencional de bajo se escriben cifras que representan los acordes que deben realizarse simultáneamente con dicha línea grave. Es decir, es un lenguaje de abreviaturas armónicas. La realización exacta de melodías intermedias proporcionadas por dichos acordes apuntados, se dejaba a la ejecución o inspiración del instrumentista |
Los instrumentos barrocos
La época dorada del clavecín, la viola da gamba y el órgano
En esta época, el clavecín, el órgano, la viola da gamba y el laúd vivieron su gran época dorada a nivel técnico, interpretativo y compositivo. La etapa final del Barroco (1700-1750) será el cenit y el ocaso del clavecín y la viola da gamba que en la segunda mitad del siglo XVIII caerán en el olvido y quedarán totalmente relegados, ya en la época clásica, por sus descendientes, el violín, el violonchelo y el pianoforte.
En esta época, el clavecín, el órgano, la viola da gamba y el laúd vivieron su gran época dorada a nivel técnico, interpretativo y compositivo. La etapa final del Barroco (1700-1750) será el cenit y el ocaso del clavecín y la viola da gamba que en la segunda mitad del siglo XVIII caerán en el olvido y quedarán totalmente relegados, ya en la época clásica, por sus descendientes, el violín, el violonchelo y el pianoforte.
Instrumentos de cuerda
Laúd: instrumento de cuerda pulsada, muy apreciado para acompañar canciones y como “continuo” en la música de cámara.Para superar sus dificultades sonoras se hicieron construir diferentes tipos de laúd. El laúd, el instrumento renacentista por excelencia, cayó en el olvido ya por 1690-1700, desplazado por la guitarra y el clavecín.
Viola: Es parecida al violín pero de mayor tamaño. Adopta diferentes tamaños, y generalmente está signada a ser un instrumento de la orquesta, no solista.
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Violín: instrumento de cuerda frotada que tiene cuatro cuerdas afinadas por intervalos de quintas.
Viola da gamba: tiene seis cuerdas afinadas por cuartas.
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Instrumentos de viento
Los instrumentos de metal, tales como las trompas, trompetas y trombones se utilizaron en las orquestas grandes, pero raramente como instrumentos solistas.
Instrumentos de teclado
![]() Órgano:
Los sonidos se generan haciendo pasar el aire por tubos de diferentes longitudes. Se maneja mediante uno o más teclados. El órgano tuvo ilustres exponentes en toda Europa en el principio del período, donde su música empieza a conocer su edad dorada por su destacable calidad. En la primera mitad del siglo XVIII, la última etapa del Barroco, el órgano vivirá su máximo esplendor en Alemania para después iniciar su decadencia a partir de 1750 a nivel general. En Alemania J. S. Bach (1685-1750) representa el máximo apogeo del órgano barroco, donde la Toccata y fuga en re menor BWV 565 (1708) es la más famosa y conocida obra para este instrumento. |
El clavecín
Es un instrumento musical con teclado y cuerdas percutidas. Jean Philippe Rameau, François Couperin, Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel y Domenico Scarlatti son los más destacables en el ámbito del clavecín de la primera mitad del siglo XVIII, donde representan el máximo apogeo de la música clavecinística barroca. |
La orquesta barroca
Precisamente, la orquesta nace en el Barroco, en gran parte gracias a la perfección técnica que alcanzan los instrumentos de cuerda frotada (violín, viola, violonchelo y contrabajo). Estaba constituida básicamente por esta sección y el bajo continuo, en el que destacaba el clave. Además, se incluían instrumentos de viento madera (flauta, oboe y fagot), viento metal (trompetas y trompas) y de percusión (timbales), en función de cada composición. Una formación media constaba de alrededor de veinticinco músicos.
La figura del director también ha ido evolucionando desde estas primeras formaciones orquestales hasta nuestros días. En el Barroco era el clavecinista quien dirigía desde su instrumento, que se colocaba en el centro del conjunto, de forma que podía ser oído por el resto de músicos.
La figura del director también ha ido evolucionando desde estas primeras formaciones orquestales hasta nuestros días. En el Barroco era el clavecinista quien dirigía desde su instrumento, que se colocaba en el centro del conjunto, de forma que podía ser oído por el resto de músicos.
Formas musicales:
Música vocal
En este periodo aparecen dos formas musicales extensas que combinan a la perfección música vocal e instrumental. La ópera y el oratorio. En ambas formas musicales podemos encontrar las siguientes partes:
- OBERTURA: Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. Normalmente es breve y sirve como introducción al espectáculo. Lamúsica comienza con el telón cerrado, que se abre en el transcurso de la obertura para que los espectadores tengan su toma de contacto con el escenario.
- RECITATIVOS: Son partes cantadas por solistas en las que se desarrolla la acción. Para que esto sea posible se debe realizar con un texto casi declamado y sin adornos. Existen dos tipos de recitativo: Secco ( acompañamiento sólo de bajo continuo) o Acompagnato (con acompañamiento de orquesta).
- ARIAS: Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas por solistas; ahora la acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio del lucimiento de su voz. Es el máximo exponente de la monodía acompañada.
- COROS: Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes.
- INTERLUDIOS: Partes instrumentales que se intercalan entre todos los fragmentos anteriores.
La Ópera: (música vocal profana)
Claudio Monteverdi es considerado el primer compositor de ópera con su Orfeo. Monteverdi fue un aclamado compositor de madrigales que tomó la tradición renacentista y la adaptó a un nuevo tiempo. En los madrigales del Renacimiento a menudo las voces se cruzaban y cantaban todas a la vez. Este procedimiento compositivo (polifonía) no permitía la claridad en el texto y por tanto no permitía representar las emociones, por lo que no era apto para la época barroca. Monteverdi introduce la monodía dentro de sus madrigales, tiene libertad a la hora de tratar el texto, usando disonancias y adornos para enfatizarlo. |
En 1607 y ante la corte de Mantua se presenta la ópera L' Orfeo de Claudio Monteverdi.
Esta ópera posee unas características especiales que la distinguen de cualquier otro intento anterior:
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El Oratorio: (música vocal religiosa)
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![Imagen](/uploads/6/1/4/3/61436975/editor/handelsmessiah-l.jpg?250)
Es la forma vocal de la música religiosa por excelencia.
Se diferencia de la ópera en:
Comparte estructura con la ópera, podemos encontrar Arias, Obertura, Coro, Recitativo, etc...
Uno de los oratorios mas famosos es "El Mesías" de Haendel
Se diferencia de la ópera en:
- El tema es siempre religioso
- No se representa
Comparte estructura con la ópera, podemos encontrar Arias, Obertura, Coro, Recitativo, etc...
Uno de los oratorios mas famosos es "El Mesías" de Haendel
La Cantata |
El Coral |
Tradicionalmente era una forma de música vocal profana pero en el Barroco destacan las cantatas con temática religiosa.
Es una forma musical compuesta para solistas y acompañamiento instrumental, a veces puede aparecer un coro. Uno de los compositores mas famosos fue J.S.Bach |
El coral luterano, representado por las obras de J.S. Bach es música vocal religiosa. Consta de cuatro voces y puede tener un acompañamiento de un clave que elabora un bajo cifrado. Está escrito en alemán.
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Música instrumental
El Canon
El canon es una pieza o sección de una composición musical de carácter contrapuntístico basada en la imitación entre dos o más voces separadas por un intervalo temporal. Una parte vocal o instrumental interpreta una melodía y unos compases más tarde una segunda voz repite esa misma melodía de manera exacta o bien modificando su tonalidad u otros aspectos. En este proceso pueden participar más voces. A la primera voz se le llama dux, propuesta o antecedente, y a cada una de las voces que le siguen comes, respuesta o consecuente
El Concierto
Ya hemos visto que durante el período Barroco se consolidó el concepto de orquesta, es decir, un conjunto instrumental en el que varios instrumentos de cuerda interpretan al unísono una misma línea melódica. Esto significa que la polifonía barroco podría constar de 3 ó 4 melodías, aunque fuera interpretada por grupo de hasta quince o veinte músicos. De este modo, se podía pasar de una sección en que tocaba todo el grupo completo (tutti o grosso) con otros en que sólo tocaban los solistas del conjunto (llamados concertino). A una obra en que sucedía esto se le llamaba concerto grosso (“gran concierto” en castellano).
Esta forma musical apareció a finales del siglo XVII en Italia y se extendió rápidamente por toda Europa. En un principio eran bastante sencillas: lo que tocaban los solistas lo repetía la orquesta. Poco a poco, las partes solísticas ganaron en sofisticación y dificultad hasta diferenciarse totalmente de las partes orquestales: surgió de este modo el concierto solista. Solía constar de tres movimientos (normalmente Allegro-Adagio-Presto), fijado por el veneciano Antonio Vivaldi y que ha sobrevivido hasta nuestros días como forma musical.
El concierto barroco tiene tres movimientos (allegro-lento-allegro)
Esta forma musical apareció a finales del siglo XVII en Italia y se extendió rápidamente por toda Europa. En un principio eran bastante sencillas: lo que tocaban los solistas lo repetía la orquesta. Poco a poco, las partes solísticas ganaron en sofisticación y dificultad hasta diferenciarse totalmente de las partes orquestales: surgió de este modo el concierto solista. Solía constar de tres movimientos (normalmente Allegro-Adagio-Presto), fijado por el veneciano Antonio Vivaldi y que ha sobrevivido hasta nuestros días como forma musical.
El concierto barroco tiene tres movimientos (allegro-lento-allegro)
La Suite
Es una forma musical compuesta por varios movimientos instrumentales breves, de carácter dancístico. Su origen se encuentra en los pares contrastantes de danzas del Renacimiento. Durante el Barroco fue una de las formas musicales más importantes. La suite está considerada como una de las primeras manifestaciones orquestales de tipo moderno. Para que se mantuviera la unidad interna, todos los pasajes de una suite se componían en la misma tonalidad, o en su relativo menor. Otras veces se presentaba un tema musical en diferentes danzas. Por ello se ha considerado este género un antecedente de la forma sonata que se origina en el siglo XVII.
Las danzas tenían una forma binaria simple, es decir, dos secciones más o menos iguales. Una suite constaba de unos diez movimientos. Solía comenzar con un preludio. La primera danza podía ser una alemanda, de ritmo rápido; luego una corrente y una zarabanda; una bourrée, de tiempo moderado, y así sucesivamente, para finalizar con una danza viva, como la giga. La suite tuvo su apogeo con Georg Friedrich Händel y Johann Sebastian Bach, durante el siglo XVIII.
La suite siempre tiene estas cuatro piezas:
Las danzas tenían una forma binaria simple, es decir, dos secciones más o menos iguales. Una suite constaba de unos diez movimientos. Solía comenzar con un preludio. La primera danza podía ser una alemanda, de ritmo rápido; luego una corrente y una zarabanda; una bourrée, de tiempo moderado, y así sucesivamente, para finalizar con una danza viva, como la giga. La suite tuvo su apogeo con Georg Friedrich Händel y Johann Sebastian Bach, durante el siglo XVIII.
La suite siempre tiene estas cuatro piezas:
- Allemande: Literalmente, alemana. Es la pieza que se coloca en primer lugar siempre que no haya un preludio inicial. Su tiempo es moderado y está en compás de 2/4. Posee una forma binaria y su característica más importante es el inicio en anacrusa.
- Courante: Literalmente, que corre. Esta pieza de movimiento rápido está en compás ternario y es totalmente contrastante con la Allemande. Suele iniciar en anacrusa y su forma es binaria, similar a la Allemande.
- Zarabanda: De movimiento lento y escrita en compás de 3/4, su origen se centra en España durante el S.XVI, pasando a Italia a principios del S.XVII gracias al repertorio de obras para guitarra española. Posee una forma binaria, y en sus melodías son frecuentes los trinos, grupetos, mordentes y todo tipo de adornos habituales en el barroco.
- Giga: De origen inglés, movimiento vivo y compás de 3/8, 6/8, 9/8 y 12/8. A finales del S.XVII existían dos tipos de gigas: la giga francesa, de movimiento rápido, compás de 3/8 o 6/8, con frases irregulares y estilo imitativo; y la giga italiana, más rápida, en compás de 12/8, con frases regualres y estilo homofónico.
La Sonata
La palabra viene del latín "sonanta" que significa: música para ser sonada.
En su origen puede encontrarse cualquier forma compuesta por dos temas. Pero lo más importante es la capacidad del compositor en el desarrollo de esos temas y su vuelta a exponerlos en una recapitulación.
En el Barroco se van a dar tres tipos de sonatas características:
• Sonata a sólo. Para un único instrumento.
• Sonata a dúo: Para dos instrumentos como el violín y bajo continuo.
• Sonata a Trío: Para tres instrumentos como la flauta, el violín y el bajo continuo.
Nota: El bajo continuo podía estar confiado a uno o mas instrumentos. (clavecín, laúd, viola baja)
En la época de barroca se practicaban dos formas bajo el nombre de sonata: la sonata da chiesa, habitualmente para violín y contrabajo, compuesta habitualmente por una introducción lenta, un allegro a veces fugado, un cantabile y un final enérgico, en forma de minuet; y la sonata da camera, compuesta de variaciones sobre temas de baile, que desembocaría en la suite o partita. Sin embargo, ambas formas se combinaban libremente, y no sería hasta la época de Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel en que la forma de la primera adquiriría cierta estabilidad.
Entre las obras de Domenico Scarlatti y Domenico Paradisi, por ejemplo, se encuentran cientos de obras llamadas sonatas compuestas en sólo uno o dos movimientos, muchas veces de gran vigor y complejidad de ejecución. La mayoría de estas sonatas están compuestas para clavicémbalo y otro instrumento, habitualmente flauta o viola.
En su origen puede encontrarse cualquier forma compuesta por dos temas. Pero lo más importante es la capacidad del compositor en el desarrollo de esos temas y su vuelta a exponerlos en una recapitulación.
En el Barroco se van a dar tres tipos de sonatas características:
• Sonata a sólo. Para un único instrumento.
• Sonata a dúo: Para dos instrumentos como el violín y bajo continuo.
• Sonata a Trío: Para tres instrumentos como la flauta, el violín y el bajo continuo.
Nota: El bajo continuo podía estar confiado a uno o mas instrumentos. (clavecín, laúd, viola baja)
En la época de barroca se practicaban dos formas bajo el nombre de sonata: la sonata da chiesa, habitualmente para violín y contrabajo, compuesta habitualmente por una introducción lenta, un allegro a veces fugado, un cantabile y un final enérgico, en forma de minuet; y la sonata da camera, compuesta de variaciones sobre temas de baile, que desembocaría en la suite o partita. Sin embargo, ambas formas se combinaban libremente, y no sería hasta la época de Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel en que la forma de la primera adquiriría cierta estabilidad.
Entre las obras de Domenico Scarlatti y Domenico Paradisi, por ejemplo, se encuentran cientos de obras llamadas sonatas compuestas en sólo uno o dos movimientos, muchas veces de gran vigor y complejidad de ejecución. La mayoría de estas sonatas están compuestas para clavicémbalo y otro instrumento, habitualmente flauta o viola.
La Fuga
También pueden aparecer:
- Contrasujetos: temas elaborados según las normas del contrapunto imitativo que acompañan al sujeo o a la respuesta.
- Episodios: secciones de transición
- El stretto aparece en episodios posteriores a la exposición, preferentemente en la última sección de la fuga, y consiste en la entrada de la respuesta poco antes de completar el tema, superponiéndose de este modo al él.
- El pedal es una nota prolongada generalmente en el bajo, sobre la que progresan las otras partes. Es interesante notar que, excepto cuando la nota pedal corresponde a la armonía de las partes superiores a ella, lo cual raramente ocurre, el resultado es una serie de disonancias muy atrevidas. El pedal aparece a veces al final de la fuga.
El auge de la música para teclado
Domenico Scarlatti es el más destacado representante de la música italo-española para teclado, en especial por sus 555 sonatas, compuestas en la Península Ibérica, que exprimen las posibilidades del instrumento creando una obra variada, rica y compleja que destaca por el alcance de la modulación y un cromatismo que se percibe en las tonalidades y ritmos, influidos por la música popular española.
El alemán Händel es el máximo exponente del Barroco inglés para teclado. Destacan entre su obra las 8 grandes Suites (1720), una de las cumbres de la suite para teclado.
J. S. Bach es quizá el compositor más destacado de todo el período, donde sus obras El clave bien temperado (BWV 846-893), las Variaciones Goldberg BWV 988 y El arte de la fuga son un antes y un después de la música de teclado en general y la cima de la literatura clavecinística barroca. Bach, aunque en su época no fue muy reconocido, dejó tras de sí un gran repertorio de preludios con fugas de suma importancia.
El alemán Händel es el máximo exponente del Barroco inglés para teclado. Destacan entre su obra las 8 grandes Suites (1720), una de las cumbres de la suite para teclado.
J. S. Bach es quizá el compositor más destacado de todo el período, donde sus obras El clave bien temperado (BWV 846-893), las Variaciones Goldberg BWV 988 y El arte de la fuga son un antes y un después de la música de teclado en general y la cima de la literatura clavecinística barroca. Bach, aunque en su época no fue muy reconocido, dejó tras de sí un gran repertorio de preludios con fugas de suma importancia.